Nieoczywiste powody, dla których kochamy niektóre filmy, a inne trudno nam tolerować

2024 Autor: Malcolm Clapton | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-17 04:07

Subtelności montażu, techniki kamery i inne triki, które pozwalają poczuć klimat.

Najczęściej rozmawiając o kinie mówi się o fabule i aktorstwie. Oczywiście są to ważne elementy każdego filmu. Zdarza się jednak, że nie można oderwać wzroku od zdjęcia, choć akcja rozwija się bardzo powoli, a kolejna historia szybko się nudzi, mimo wielu wydarzeń. Niektórym autorom udaje się sprawić, by widz uwierzył w najbardziej fantastyczne zwroty akcji, podczas gdy innym udaje się stworzyć nawet realne sytuacje, takie jak zabawki. I po prostu fajnie jest oglądać niektóre taśmy, podczas gdy inne są trudne.

Chodzi o to, że oprócz fabuły i aktorów, istnieje wiele ciekawych technik, których reżyserzy używają, aby pomóc widzowi poczuć akcję i cieszyć się tym, co dzieje się na ekranie. Te subtelności mogą nawet nie zostać zauważone, ale nadal mają duży wpływ na postrzeganie obrazu.

Spektrum kolorów

Pierwszą rzeczą, którą należy zauważyć, jest to, że kolory w filmach często nie są takie same jak w prawdziwym życiu. Może to być dość oczywiste (na przykład, jeśli zdjęcie jest czarno-białe) lub nie zdajesz sobie z tego sprawy od razu. Ale to nie przypadek.

Tworzenie atmosfery

Za pomocą kolorów możesz lepiej przekazać atmosferę tego, co się dzieje, stworzyć nastrój dla widza, a nawet pokazać uczucia samych postaci.

Weźmy na przykład popularną serię X-Men. W głównej serii filmów jasny i bogaty obraz przypomina komiks. I w przeciwieństwie do nich w noir „Logan”, gdzie opowiadają o starości i zmęczeniu bohatera, wybierane są jaśniejsze odcienie.

Kadr z filmu „X-Men: Apokalipsa”

Ujęcie z filmu „Logan”

W filmie „Mad Max: Fury Road” większość akcji rozgrywa się w gorącym pustynnym terenie. Logiczne jest, że zdjęcie zostało nakręcone w żółto-pomarańczowych odcieniach, które sprawiają, że czujesz palące słońce i suchość.

Dla jasności możesz wziąć ramkę i zmienić schemat kolorów. Od razu wydaje się, że zrobiło się zimniej.

Kadr z filmu „Mad Max: Fury Road”

Ta sama rama, ale w zimnych kolorach

Aby stworzyć kontrastowy obraz, współczesne hity i ogólnie kino masowe są bardziej niebieskie i pomarańczowe.

Ale słynny Wes Anderson uwielbia delikatną różowawą paletę. Daje widzowi poczucie starego romantycznego filmu. A wszystko, co się dzieje, odbierane jest spokojniej i łatwiej.

Chcąc stworzyć atmosferę przyszłości i fantazji, często sięgają także po niebieską gamę. A szczególnie kochają neonowe kolory, które w głowie widza mocno łączą się z cyberpunkiem i technologią.

Nie trzeba dodawać, że twórcy horrorów preferują ciemne kolory. Powodów jest kilka. Oczywiście jest to częściowo sposób na pompowanie atmosfery. Wiele osób boi się już ciemności, a w horrorach kryją się w niej również potwory.

Dodatkowo ciemny obrazek pozwala delikatnie ukryć niedoskonałości grafiki czy makijażu i zaoszczędzić na produkcji. To prawda, że jest w tym niebezpieczeństwo: jeśli zbyt mocno przyciemnisz kadr, widz może po prostu nie zobaczyć, co dzieje się na ekranie, zwłaszcza w złym kinie lub na starym telewizorze. Tak było na przykład w filmie Slenderman z 2018 roku.

Chociaż niektórzy oryginalni reżyserzy potrafią grać w kontraście. Na przykład Ari Astaire w „Przesileniu” pokazał typową atmosferę horroru: bohaterowie znajdują się w odosobnionej wiosce, w której dzieją się straszne rzeczy.

Ale jednocześnie obraz jest bardzo jasny, prawie nie ma w nim ciemnych scen, a ubrania bohaterów są śnieżnobiałe. A to czyni go jeszcze bardziej przerażającym, ponieważ nie ma się gdzie ukryć przed horrorem.

Rozdzielanie części działki

Jeden film może mieć kilka różnych filtrów kolorów. Służą do wyraźniejszego oddzielania wątków. A przy odpowiednim talencie takie podejście pomaga rozjaśnić obraz.

Matrix jest świetnym przykładem. Logo tej taśmy zostało wykonane z zielonych symboli kodu, oznaczających program, w którym żyją ludzie. Dlatego wszystko, co dzieje się w wirtualnym świecie, zostało sfilmowane przez zielonkawy filtr. A prawdziwe wydarzenia są pokazane na niebiesko.

Scena z filmu „Matrix”, akcja w wirtualnym świecie

Scena z filmu „Matrix”, akcja w prawdziwym życiu

I dopiero pod sam koniec trzeciej części, kiedy ludzie i maszyny zawarli porozumienie pokojowe, w kadrze pojawiają się jednocześnie czyste niebieskie i zielone kolory.

W Incepcji Christophera Nolana bohaterowie przenoszą się z realnego świata do snu, potem do snu we śnie i tak dalej. Aby wyraźniej oddzielić „warstwy”, reżyser wybrał dla każdej z nich własną kolorystykę.

Ujęcie z filmu „Incepcja”, pierwszy sen

Kadr z filmu „Incepcja”, drugi sen

Kadr z filmu „Incepcja”, trzeci sen

Na pierwszym poziomie snu wszystko jest sfilmowane w niebieskiej palecie, drugi jest żółty, trzeci jest biały. I dopiero w ostatnim śnie wszystkie odcienie spotykają się ponownie, jak w prawdziwym świecie.

W Blade Runner 2049 Denisa Villeneuve różne kolory odzwierciedlały zarówno lokalizację, jak i stan wewnętrzny bohatera.

Kadr z filmu „Blade Runner 2049”

Kadr z filmu „Blade Runner 2049”

Kadr z filmu „Blade Runner 2049”

Kadr z filmu „Blade Runner 2049”

Wszystko zaczyna się od postaci Ryana Goslinga błąkającej się we mgle, potem przechodzi przez gorącą pomarańczową pustynię, neonowy futuryzm i nocną powódź. A historia kończy się na śnieżnobiałym tle, odzwierciedlającym spokój i oczyszczenie.

Odmowa koloru

Kiedyś wszystkie filmy były czarno-białe. Po prostu dlatego, że nie wiedzieli, jak strzelać inaczej, a kadry można było pokolorować tylko ręcznie. Potem pojawiły się kolorowe filmy i zdjęcia stały się znacznie bardziej realistyczne.

Ale jednocześnie fotografia czarno-biała nie odchodzi całkowicie w przeszłość. Nadal są wykorzystywane do celów artystycznych. Na przykład, aby nakreślić różne światy lub historie.

Tak więc w „Czarnoksiężniku z krainy Oz” z 1939 roku kolor pojawia się, gdy Dolly wchodzi do świata wróżek.

Kadr z filmu „Czarnoksiężnik z krainy Oz”, zwykły świat

Kadr z filmu "Czarnoksiężnik z krainy Oz", bajkowa kraina

W „Stalkerze” Andrieja Tarkowskiego kolory są również nieobecne w codziennym życiu bohaterów. A kiedy bohaterowie dostaną się do mistycznej „Strefy”, świat staje się jasny – to tutaj ludzie naprawdę się ujawniają.

Lub cały ten sam Christopher Nolan na taśmie „Pamiętaj” pokazał jedną część akcji w kolejności bezpośredniej, a drugą - w odwrotnym. Dlatego połowa filmu jest kręcona w kolorze, a druga w czerni i bieli.

Kadr z filmu "Pamiętaj", bezpośrednie zamówienie

Kadr z filmu "Pamiętaj", odwrotna kolejność

Ponadto czarno-biały obraz pozwala wyraźniej uwydatnić niektóre szczegóły, po prostu dodając do nich kolor. Po raz pierwszy zrobił to Siergiej Eisenstein, ręcznie malując flagę na pancerniku Potiomkin z 1925 roku.

Następnie technika ta została wykorzystana w zupełnie innych gatunkach. W Liście Schindlera Stevena Spielberga pojawienie się dziewczyny w czerwonym płaszczu staje się jednym z najbardziej emocjonalnych momentów.

I nawet w komiksowym filmie Sin City to podejście jest stosowane wielokrotnie, z naciskiem na czerwoną szminkę, jasne oczy lub krew.

Konstrukcja ramy

Zasada trójpodziału

Jedna z podstawowych zasad zarówno filmu, jak i fotografii. To coś w rodzaju uproszczonej zasady „złotego podziału”.

To proste: podczas fotografowania ekran jest podzielony na trzy części w pionie i poziomie. Na tych liniach, a także na ich przecięciu powinny znajdować się najważniejsze elementy działki. Ułatwi to widzowi skupienie się na pożądanych punktach.

Miejsce na kwadracie

Jeśli warunkowo podzielisz ramkę na pół lub na cztery równe części, możesz sprawić, że widz zrozumie bez słów, jakie miejsce zajmuje postać w historii.

Tę technikę najlepiej widać w filmie „Drive” Nicholasa Windinga Refna. Na przykład, jeśli twarz głównego bohatera jest pokazana w lewym górnym rogu, a w kolejnej klatce w tym samym miejscu pojawia się inna postać, to jest to wskazówka, że postacie będą rywalami.

W dodatku ten sam Refn potrafi równolegle opowiadać dwie historie: w górnej i dolnej części ekranu lub w lewej i prawej połówce. Widz może nie zauważyć tego ruchu, ale i tak percepcja postaci będzie pełniejsza. Poza tym jest po prostu piękny.

Symetria

Kolejna technika psychologiczna i estetyczna jednocześnie. Często zdjęcia, w których lewa połowa odzwierciedla prawą połowę, są wykonywane tylko dla urody.

Ale czasami przekazują sprzeciw bohaterów. A jeśli bohater spojrzy w lustro, pokaże swoją ciemną stronę lub różnicę między snami a rzeczywistością. Krótko mówiąc, dowolna alegoria, którą można wymyślić jako refleksję.

Kadr z filmu "2001: Odyseja kosmiczna"

Ujęcie z filmu „Lśnienie”

Kadr z filmu "Joker".

Holenderski kącik

Aby pokazać niestabilność bohatera, jego wątpliwości czy problemy z pamięcią, posługują się bardzo wizualną techniką. „Kąt holenderski” oznacza, że aparat nie strzela prosto, ale jest pochylony. Wiele przykładów takiego podejścia można znaleźć w filmach Danny'ego Boyle'a.

Niezwykłe dla widza jest patrzenie na obraz pod kątem, dzięki czemu lepiej dostrzega niewygodny stan postaci.

Jednak ważne jest, aby przestrzegać tutaj środka. Na przykład katastrofalny film „Battlefield: Earth” został nakręcony w całości pod kątem. Ale za półtorej godziny widz najprawdopodobniej będzie miał ból w karku.

Strzelanie z dołu i z góry

Kolejna z prostych, ale skutecznych technik, która pozwala przekazać poczucie własnej wartości bohaterów. Możesz więc pokazać na przykład, kto jest panem sytuacji. A potem od razu przypominam sobie taśmy Quentina Tarantino, na których bohaterowie zaglądają do bagażnika.

Kadr z filmu „Od zmierzchu do świtu”

Kadr z filmu „Wściekłe psy”

A strzelanie z góry sprawia, że bohater czuje się niepewnie. Oto jak zabawnie zagrali to w słynnej scenie z filmu „O czym rozmawiają mężczyźni”, w której postać Kamila Larina, jak dziecko, usprawiedliwia się przed portierem w drogiej restauracji:

Dialog i ruch

Akcja w tle

Technika najczęściej używana w komedii lub horrorze. Na pierwszym planie nic ciekawego się nie dzieje. A wszystko, co najważniejsze, rozgrywa się na tle, które można przyciemnić lub rozmyć.

Na przykład bohater filmu „Zombie Called Sean” trafia do sklepu. Wszystko jest dla niego bardzo przyziemne. A w tle prawdziwa apokalipsa:

W zależności od gatunku i prezentacji może to wywołać albo bardzo zabawny efekt, albo napięcie – tak często główne krzyki są ukryte w horrorach.

Rozmowy w ruchu

Najpopularniejszym rodzajem dialogów w filmach jest to, że postacie siedzą i rozmawiają. W takim przypadku aparat tradycyjnie przełącza się między twarzami.

Ale jeśli scena trwa zbyt długo, widz zmęczy się ciągłym powtarzaniem tych samych kątów. Dlatego dobrzy reżyserzy albo uzupełniają, albo zmieniają oprawę takich scen.

Tak więc w filmach Quentina Tarantino bohaterowie mówią niemal bez przerwy. Ale mistrz nie pozwala się nudzić, bo dialogi mogą odbywać się podczas jazdy. Ze względu na ciągłą zmianę tła akcja nie wydaje się być monotonna.

I nawet jeśli postacie są w tym samym pomieszczeniu, kamera nie przełącza się tak po prostu. Potrafi poruszać się po nich, tworząc efekt obecności, a nawet uczestnictwa w rozmowie. Prawie wszystkie postacie można zobaczyć bez zbędnej edycji.

Nicholasowi Winding Refnowi udaje się wykorzystać wspomnianą już grę z kolorem i refleksją w prostej rozmowie. W Drive pierwszy dialog bohaterów wydaje się bardzo prosty.

Ale jednocześnie postać Ryana Goslinga jest zawsze na niebieskim tle (ta kolorystyka towarzyszy mu przez cały film). A bohaterka Carey Mulligan stoi pod pomarańczowymi ścianami. A to pokazuje, że coś ich dzieli, mimo że są blisko.

Zasada 180 stopni

Podczas filmowania jest jeszcze jeden ważny punkt. Jeśli podczas zmiany kąta przesuniesz kamerę o więcej niż 180 stopni, widz będzie zdezorientowany. Na przykład, gdy bohater biegnie, wydaje się, że odwrócił się i porusza się w przeciwnym kierunku.

A to jest równie ważne nawet podczas dialogów. Aby nie sprawiać wrażenia, że wszyscy w kadrze nagle się poruszyli, operator i reżyser wybierają pewną linię, poza którą kamera nie powinna wychodzić.

Ciekawe, że celowe naruszenie tej zasady może posłużyć tylko do zmylenia widza, pokazania zdezorientowania bohatera. I przy odpowiedniej wyobraźni autorzy tworzą bardziej niezwykłe sceny. Na przykład rozmowa Golluma z samym sobą. Postać jest po prostu pokazana z różnych stron, ale daje to efekt, że jest dwóch mówców i rozmawiają.

Funkcje instalacji

Montaż pozwala na zdynamizowanie akcji filmu, „pomijając” nudne momenty życia i pozwalając spojrzeć na to, co się dzieje z różnych punktów widzenia. Jej najprostszą formą jest narracja. Oznacza to, że wydarzenia w kadrze następują po sobie. Najwyraźniej zostało to wyjaśnione w Człowieku z Boulevard des Capucines.

Ale wydarzenia z filmu można pokazać w inny sposób, a do tego używają różnych technik.

Instalacja równoległa

W przeciwieństwie do sekwencyjnego opowiadania historii, czasami autorzy chcą, aby publiczność zobaczyła, co dzieje się w tym samym czasie w różnych miejscach. A potem reżyserzy przechodzą do montażu równoległego.

To sprawia, że fabuła jest bardziej urozmaicona. Ale musisz być ostrożny. W końcu, jeśli pokażesz po kolei sceny, które występują w tym samym czasie, możesz odnieść wrażenie, że każda z nich trwa dłużej.

Uderzającym przykładem nieudanej edycji równoległej jest „Furious-6”. Bohaterowie próbują uciec samolotem jadącym po pasie startowym, ścigają ich samochody, a wewnątrz liniowca toczy się walka.

Autorzy demonstrują tyle wydarzeń na raz, że na ekranie samolot wydaje się przyspieszać przez co najmniej 15 minut. Nie trzeba dodawać, że to zabija cały realizm sytuacji?

Z drugiej strony Christopher Nolan jest powszechnie uważany za mistrza montażu równoległego. Reżyser posługuje się nim w wielu swoich pracach, ale Najlepszym przykładem jest Początek. Zdarzenia na różnych poziomach snu zachodzą jednocześnie iw różnym tempie (w głębszym śnie czas płynie wolniej).

Tutaj wspomniane już rozdzielenie kolorów zostaje dodane do akcji i widz nie gubi się w tym, co się dzieje, ale uświadamia sobie całą globalność wydarzeń.

Nawiasem mówiąc, interesujące jest to, że w filmie „Dunkierka” Nolan jest jeszcze bardziej dowcipny w tej technice. Ukazuje równolegle wydarzenia zachodzące na ziemi, w wodzie iw powietrzu. W rzeczywistości chronologia jest zupełnie inna i wszystko zbiega się dopiero w finale.

Flashbacki i Flash Forward

Czasem autorzy osadzają wspomnienia z przeszłości – retrospekcje – w linearną historię bohaterów. Mogą to być bardzo krótkie, kilkusekundowe przebłyski lub całe historie.

Wielkim fanem takich momentów jest Jean-Marc Vallee. W ten sposób dodaje napięcia pozornie spokojnym scenom. Albo daje do zrozumienia, że postać kogoś oszukuje: mówi jedno, ale w jego wspomnieniach pojawia się coś zupełnie innego.

Nietrudno zgadnąć, że retrospekcje to te same historie, ale z przyszłości. Są używane rzadziej, zwykle w science fiction lub mistycznych opowieściach. Na takiej technice zbudowali nawet całą serię, w której podczas pewnego zaćmienia każdy widział jakiś moment ze swojej przyszłości.

A w dalszej części fabuły wszyscy próbują znaleźć przyczyny tego, co się stało i zrozumieć znaczenie swoich wizji. Seria została nazwana tak: Flashforward (w tłumaczeniu rosyjskim - "Pamiętaj, co się stanie"). To prawda, że przetrwał tylko jeden sezon.

Skok-cut

Ta technika ma już zastosowanie do edycji liniowej. Oznacza to ostre przejście między klatkami. Używają go do zupełnie innych celów.

W Małym sklepie z horrorami Franka Oza taki montaż pomaga pokazać długi i nudny upływ czasu.

Ale Lars von Trier, który również często stosuje w swoich pracach cięcie skokowe, w ten sposób oddaje emocjonalny stres i psychologiczną niestabilność bohaterów. Takie fotografowanie sprawia, że obraz staje się bardziej „nerwowy”. Na taśmie „Idiots” jest to bardzo odpowiednie:

Edycja kształtu i dźwięku

Aby różne wydarzenia ukazane w filmie były postrzegane jako kontynuacja siebie, autorzy często wykorzystują wizualne zbiegi okoliczności. Oznacza to, że kontury jakiegoś obiektu w jednej klatce powtarzają się w następnej. A czasami może wyglądać bardzo dowcipnie.

Podobnie można „zahaczyć” widza dźwiękiem. Krzyk trwa dalej wraz ze świstem parowca, a industrialny huk zostaje zastąpiony muzyką w tym samym tempie. Albo syk uszkodzonej fajki zamienia się w trzask pieczonego mięsa.

Ponadto dźwięk może nieznacznie wyprzedzać lub opóźniać to, co jest wyświetlane na ekranie. Odbywa się to, aby sceny były bardziej połączone. Oznacza to, że widz wciąż słyszy mowę i szelest z poprzedniej klatki, ale akcja już się zmieniła. Lub odwrotnie.

Brak instalacji

To odważne posunięcie: reżyserzy kręcą długie sceny bez żadnego montażu lub ukrywają to na różne sposoby.

To sprawia, że to, co dzieje się na ekranie, jest bardziej realistyczne, daje widzowi poczucie tempa samej historii. Ale oczywiście takie podejście wymaga znacznie więcej prób i inwestycji. W końcu podczas przetwarzania możesz wyciąć nieudane drobiazgi.

Tak więc Joe Wright w filmie „Pokuta” pokazał pięciominutową scenę z ewakuacją wojsk z Dunkierki podczas II wojny światowej. W scenę tłumu zaangażowanych było 1300 osób, sprzęt poruszał się w kadrze, aw tle dochodziło do eksplozji. To właśnie takie podejście oddaje cały mrok i chaos tego, co się dzieje.

Nowoczesne technologie pozwalają na dokładniejszą obsługę instalacji. Pomogło to Alejandro Gonzalezowi Iñarritowi zastrzelić Birdmana. W nim nawet nie od razu zauważasz, że cała akcja jest pokazana w jednej ciągłej klatce.

W rzeczywistości montaż jest tam, ale ukryty. Spawy powstają, gdy kamera przechodzi przez jakiś ciemny element.

A „Rosyjska Arka” Aleksandra Sokurowa wygląda jeszcze mocniej. Akcja rozgrywa się w Ermitażu, a reżyser dostał jeden dzień na filmowanie. Dlatego postanowił nakręcić zdjęcie bez klejenia.

Zajęło to siedem miesięcy prób z 800 statystami. W efekcie od trzeciego ujęcia nakręcili cały film trwający 1 godzinę i 27 minut.

W rzeczywistości takich subtelności jest znacznie więcej. Ale wiele z nich wymaga już głębokiej znajomości reżyserii i kinematografii. To tylko proste przykłady, które można zobaczyć w wielu filmach. A podczas oglądania następnego zdjęcia z pewnością uderzy Cię „holenderski róg” lub długa ramka bez edycji. Ale to nie zniszczy magii kina, a wręcz przeciwnie, sprawi, że oglądanie będzie jeszcze ciekawsze.