Jak Sofia Coppola tworzy swoje wyjątkowe filmy

2024 Autor: Malcolm Clapton | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-17 04:07

Samotników oczaruje mroczny romans, melomanów – ścieżka dźwiękowa, a wszystkich pozostałych – nienarzucający się humor.

Sofia Coppola jest zasłużenie uważana za jedną z głównych amerykańskich reżyserek pokolenia. W jej filmografii znajdują się zarówno uznane arcydzieła („Zagubione w tłumaczeniu”), jak i filmy, które zebrały niepochlebne recenzje („Elite Society”). Ale wszystkie te prace łączy jedno – oryginalne pismo odręczne, które trudno z czymś pomylić.

Jak zaczęła się Sofia Coppola

Sofia Coppola urodziła się w słynnej kreatywnej rodzinie. Jej ojcem jest wielki Francis Ford Coppola, jeden z głównych reżyserów drugiej połowy XX wieku. A brat Roman pracował w różnych dziedzinach filmowania. Sofia, ledwie urodzona w 1971 roku, zadebiutowała już jako dziecko na chrzcie w Ojcu chrzestnym. Jako dziecko mogła przychodzić na plan do ojca, kiedy tylko miała na to ochotę.

Jak na ironię, mecenat słynnego papieża wcale nie pomógł ujawnić talentów Sofii, a nawet ją utrudnił. Na przykład Francis Ford umieścił swoją ukochaną córkę na miejscu emerytowanej Winony Ryder w swoim ostatnim filmie o rodzinie Dona Corleone. Ale krytycy bezlitośnie rozbili dziewczynę i na tym ogólnie zakończyła się jej kariera aktorska.

Ale porażka zmusiła Coppolę do spróbowania siebie po drugiej stronie kamery i tutaj jej talent okazał się niezaprzeczalny. Kiedy Sofia wydała Virgin Suicide w 1999 roku, miała zaledwie 28 lat. Film był tak dobry, że Coppola Jr. natychmiast stał się niezależną jednostką twórczą.

Co wyróżnia styl reżyserski Sofii Coppoli?

Wykwintne rozwiązania kolorystyczne

Filmy Sofii Coppoli są zawsze bezbłędnie rozpoznawalne dzięki wyjątkowej estetyce czułości, pastelowych barw i przyjemnych odcieni. Przede wszystkim dotyczy to wczesnej twórczości filmowca. Apogeum marki „cukierki” sięga „Marie Antoinette” (2006), gdzie oprawa dosłownie przypomina jedną wielką cukiernię.

Kadr z filmu "Zagubieni w tłumaczeniu"

Scena z filmu „Samobójstwa dziewic”

Scena z filmu „Samobójstwa dziewic”

Kadr z filmu „Maria Antonina”

Nacisk na drobne, intymne detale

Sofia słynie z skrupulatności w szczegółach. Tak więc w „Samobójstwach dziewicy” reżyserka szczegółowo pokazała życie dziewcząt żyjących na sennym amerykańskim przedmieściu, a w „Marii Antoninie” drobiazgowo odtworzyła luksus pałacu wersalskiego. Ta technika pozwala widzowi zbliżyć się do postaci.

Intymność podejścia Coppoli widać też na przykład w scenach z łazienką, które można zobaczyć w prawie każdym innym filmie. To kolejny subtelny ruch, który ma przekazać kruchość i wrażliwość bohaterów.

Scena z filmu „Samobójstwa dziewic”

Scena z filmu „Samobójstwa dziewic”

Kadr z filmu „Maria Antonina”

Scena z filmu „Samobójstwa dziewic”

Kadr z filmu „Maria Antonina”

Kadr z filmu „Maria Antonina”

Niewygodne środowisko dla bohaterów

Niemal wszystkie postacie w pracach Coppoli łączy to, że krępują ich jakieś nieprzezwyciężone okoliczności: obcisłe ubranie, zobowiązania wobec bliskich, normy moralne czy etykieta. Na przykład w Lost in Translation bohaterowie Billa Murraya i Scarlett Johansson przyjeżdżają do kraju, którego nie znają, gdzie nawet proste czynności, takie jak jedzenie czy branie prysznica, są niewygodne.

Młode dziewczyny z „Virgin Suicides” są dosłownie zamknięte w domu pod okiem surowej matki. Istnienie uczniów w „Fatal Temptation” ogranicza ogrodzenie ich internatu. A Maria Antonina w filmie o tym samym tytule jest pod okiem innych dniem i nocą i, z rzadkimi wyjątkami, nigdy nie zostaje sama z sobą.

Kadr z filmu "Zagubieni w tłumaczeniu"

Scena z filmu „Samobójstwa dziewic”

Kadr z filmu „Maria Antonina”

Ciągłe powtórzenia

Bohaterowie Coppoli często stają się zakładnikami tej samej sytuacji życiowej, która powtarza się z dnia na dzień. Na przykład bohaterka Kirsten Dunst w „Marie Antoinette” je śniadanie w luksusowej sali Wersalu, patrząc z przerażeniem na męża. Albo aktor Johnny Marco z filmu „Gdzieś” od czasu do czasu wzywa do siebie tancerzy go-go – zmieniają się tylko ich stroje. Ta prosta technika bardzo trafnie pozwala oddać monotonię egzystencji bohaterów, całą bezsensowność i pustkę, która ich otacza.

Kadr z filmu „Maria Antonina”

Kadr z filmu „Maria Antonina”

Kadr z filmu „Gdzieś”

Kadr z filmu „Gdzieś”

Malownicza praca aparatu

Od filmu do filmu Sofia wykorzystuje te same rozpoznawalne motywy wizualne, które pomagają jej przekształcić prawdziwy świat w rodzaj snu. Wśród nich podwójna ekspozycja, odbicia w szkle, dobrze uchwycone światło słoneczne, wszechobecne odblaski. Ponadto Coppola zwykle strzela w wysokim tonacji. Jest to sposób na skonstruowanie schematu świetlnego, w którym prawie nie ma cieni na obrazie, dzięki czemu kadr okazuje się szczególnie liryczny, wypełniony miękkim światłem.

Kadr z filmu "Zagubieni w tłumaczeniu"

Kadr z filmu "Zagubieni w tłumaczeniu"

Kadr z filmu "Zagubieni w tłumaczeniu"

Kadr z filmu „Maria Antonina”

Kadr z filmu "Zagubieni w tłumaczeniu"

Jakie są inne unikalne cechy twórczości Sofii Coppoli?

Architektura, design i moda pełnoprawnymi bohaterami filmu

Początkowo Sofia w ogóle nie zamierzała być reżyserem, ale planowała pracować w branży modowej. A wpływ tej części osobowości Coppoli jest widoczny na prawie wszystkich jej taśmach. „Elite Society” rozkoszuje się błyszczącą, wulgarną estetyką lat 2000, „Virgin Suicides” gloryfikuje klasyczne atrybuty stylu lat 70., a buty do „Marie Antoinette” zostały wymyślone przez geniusza butów Manolo Blahnika. A to tylko kilka przykładów.

Nawiasem mówiąc, Coppola od czasu do czasu kręci filmy reklamowe dla znanych marek. Jej autorstwo należy więc do reklamy perfum Miss Dior i Daisy autorstwa Marca Jacobsa, a także do mini-filmu na cześć współpracy H&M i Marni.

Sofia nie mniej niż ubrania bohaterów zwraca uwagę na otoczenie, w którym się znajdują. Na przykład dom sióstr z Lizbony w „The Virgin Suicides” i rezydencja Marthy Fartsworth w „The Fatal Temptation” są w rzeczywistości pełnoprawnymi uczestnikami wydarzeń. Czy to estetyka hoteli w Lost in Translation i Somewhere, czy pompatyczny Wersal w Marii Antoinette, światy stworzone przez Coppolę należy oglądać bez przerwy.

Kadr z filmu „Maria Antonina”

Kadr z filmu „Maria Antonina”

Kadr z filmu „Maria Antonina”

Kadr z filmu „Maria Antonina”

Kadr z filmu „Fatal Attraction”

Kadr z filmu „Elite Society”

Tajemnica i niedopowiedzenie

Niemal wszystkie prace Sophii łączy pewna powściągliwość. Na przykład reżyser celowo nie pokazuje, jak zakończyło się krótkie życie Marii Antoniny. A ludzie nie znudzą się zastanawianiem, co Bill Murray szepnął do ucha Scarlett Johansson w zakończeniu Lost in Translation (ujawnijmy pewien sekret: w rzeczywistości nawet sama reżyserka tego nie wie).

Faktem jest, że w stosunku do swoich bohaterów Coppola zawsze zachowuje się jak zdystansowany obserwator. Widzimy ludzi i ich działania, ale nie rozumiemy motywów. Nie wiemy, jakie myśli i pragnienia faktycznie poruszają bohaterów, ale możemy jedynie budować własne domysły.

Shogaze i post-punkowa ścieżka dźwiękowa

Sofia jest wielką fanką takich muzycznych kierunków jak post-punk i shoegaze. Jej miłość była najbardziej widoczna w Lost in Translation, gdzie za ścieżkę dźwiękową odpowiadał Kevin Shields, lider kultowego zespołu My Bloody Valentine.

Ten kolektyw zasłynął jako pionier shugese. Istotą tego gatunku jest tworzenie tzw. ściany dźwięku. Wyjście jest szorstkie i hałaśliwe, ale jednocześnie paradoksalnie senna i łagodna muzyka. I ten dźwięk, ze względu na kontrast, jest najlepszą możliwą kombinacją z sekwencją wideo Coppoli z powietrza.

Na tej samej taśmie można usłyszeć efektowne awangardowe artystki Roxy Music oraz jedną z kompozycji The Jesus and Mary Chain. Te ostatnie są często określane jako poprzednicy shugaze.

Na koniec należy dodać, że mąż Sofii, Thomas Mars, wokalista francuskiego zespołu indie Phoenix, regularnie gra w jej filmach, a do „Somewhere” nagrał całą ścieżkę dźwiękową.

Jakie tematy porusza Sofia Coppola w swoich filmach?

Motyw samotności

Niemal wszystkie obrazy Sofii Coppoli łączy motyw niewyrażalnej melancholii. A przede wszystkim te postacie, które w ogóle mają wszystko, zwykle cierpią na to. W ten sposób reżyserka próbuje zrozumieć samotność i wyobcowanie z dzieciństwa. Przecież wszystkie swoje wczesne lata spędziła, można by rzec, w złotej klatce.

Aby podkreślić odrębność swoich bohaterów, Coppola sięga po różnorodne techniki. Na przykład wizualnie oddziela ich od innych ludzi. Albo umieszcza postacie w przestrzeniach do nich nieproporcjonalnych, w porównaniu z którymi wyglądają na bardzo małe i nieistotne.

Samotna postać Kirsten Dunst na tle rozległej przestrzeni pałacu. Kadr z filmu „Maria Antonina”

Sofia Coppola wizualnie podkreśla samotność postaci Scarlett Johansson, oddzielając go od reszty. Kadr z filmu "Zagubieni w tłumaczeniu"

Bohaterka Scarlett Johansson jest w centrum uwagi, reszta postaci nie. Kadr z filmu "Zagubieni w tłumaczeniu"

Kobiece spojrzenie

Często w centrum narracji Coppoli znajduje się zamknięta grupa kobieca („Samobójstwa dziewicy”, „Fatal Temptation”) lub po prostu młode dziewczyny o anielskim wyglądzie („Elite Society”). Ale jednocześnie niewinność bohaterek jest najczęściej zwodnicza i bliższa finałowi zamienia się w coś niezdrowego lub przerażającego.

Kadr z filmu „Fatal Attraction”

Scena z filmu „Samobójstwa dziewic”

Kadr z filmu „Elite Society”

Relacja ojciec-córka

Kilka obrazów w filmografii Coppoli można nazwać autobiograficznymi w takim czy innym stopniu. Najbardziej oczywistym przykładem jest taśma Somewhere. W swojej głównej bohaterce sama Sofia jest bezbłędnie odgadnięta, zmuszona dzielić się ukochaną osobą z fanami i paparazzi i stale mieszkać w hotelach między prestiżowymi festiwalami.

Postać ojca pojawia się także w pełnometrażowym filmie „Ostatni cios”. Co więcej, Bill Murray w tym filmie zawiązuje nawet szalik, tak jak Francis Ford Coppola.

Ujęcie z filmu „Ostatnia słoma”

Kadr z filmu „Gdzieś”

Jakie filmy Sofii Coppoli warto obejrzeć?

1. Dziewicze samobójstwa

• Stany Zjednoczone, 1999.
• Dramat, melodramat.
• Czas trwania: 97 minut.
• IMDb: 7, 2.

Czwórka dzieci wspomina sąsiadki, z którymi wiele lat temu wydarzyło się coś strasznego. Po pierwsze, najmłodsza z pięciu córek Lizbony, Cecilia, zostaje wyrzucona przez okno. Po jej śmierci, przystojny mężczyzna szkoły głównej zakochuje się w 14-letniej Lux, a to doprowadza rodzinę do jeszcze większych problemów.

Debiut „Samobójstwa dziewicy” oparty na powieści Jeffreya Eugenidesa o tym samym tytule natychmiast zwrócił uwagę widzów i krytyków na Sofię, a także wyznaczył jej dalszą drogę twórczą. Tu pismo Coppoli zamanifestowało się w całej okazałości: świat jest gdzieś na granicy snu i rzeczywistości, jakby zapisany akwarelą, melancholijną ścieżką dźwiękową i zdystansowaną postawą autora, który celowo nie zagląda w głowy swoich bohaterowie.

„Samobójstwa dziewic” są w równym stopniu tragiczne, co urocze. Sam obraz jest bardzo jasny, choć porusza mroczne tematy, w tym samobójstwa nastolatków, obsesję religijną i przemoc domową.

2. Zagubiony w tłumaczeniu

• USA, Japonia, 2003.
• Dramat, melodramat.
• Czas trwania: 102 minuty.
• IMDb: 7, 7.

Aktor w średnim wieku Bob Harris i studentka Charlotte znajdują się jednocześnie w nieznanym mieście - Tokio. Spotykają się przypadkiem w hotelu i spędzają razem krótki, ale najbardziej ekscytujący czas w ich życiu.

Prawdziwym przełomem dla Sofii był jej drugi film fabularny. Film zdobył nominację do Oscara w kategorii „Najlepszy scenariusz oryginalny” i zebrał całą masę nagród na różnych festiwalach.

Lost in Translation odnosi się do filmu, w którym pod względem fabularnym niewiele się dzieje. Ale jednocześnie dla bohaterów Billa Murraya i Scarlett Johansson zmienia się prawie wszystko. Obaj bohaterowie stają w obliczu kryzysów: jeden w średnim wieku, drugi we wczesnej dorosłości. Wydawałoby się, że po spotkaniu powinni znaleźć szczęście, ale Sofia Coppola łudzi nasze oczekiwania i zamiast historii miłosnej opowiada historię skazanego na zagładę romansu.

Warto zauważyć, że Coppola zaczęła pisać Zagubione w tłumaczeniu, kiedy rozstała się ze swoim pierwszym mężem, Spikiem Jonesem (to on stał się prototypem męża Charlotte). Mniej więcej w tym samym czasie rozpoczął pracę nad swoim debiutem „Ona”. Te dwie prace można więc traktować jako nieoficjalny dylog o samotności.

3. Maria Antonina

• USA, Francja, Japonia, 2006.
• Dramat biograficzny.
• Czas trwania: 123 minuty.
• IMDb: 6, 5.

Maria Antonia, najmłodsza córka cesarzowej Austrii, zostaje wydana za przyszłego króla Ludwika XVI. Tak więc dziewczyna zostaje francuską dauphine Marią Antoniną, a później królową. Problem w tym, że ich małżeństwo z Ludwikiem przez jakiś czas pozostaje bezdzietne, po czym władca znajduje ukojenie w hedonizmie i marnotrawstwie. Ale będzie musiała drogo zapłacić za zbyt luksusowy styl życia.

Zaraz po Dziewiczych samobójstwach Sofia Coppola postanowiła sfilmować biografię Marii Antoniny, jednej z najbardziej kontrowersyjnych postaci historycznych, ale postanowiła działać w nietypowy sposób. Filmowiec świadomie odmówił przeczytania klasycznej biografii pióra Stefana Zweiga i wolał bardziej intymną i zmysłową eksplorację Antonii Fraser.

Do głównej roli Coppolę ponownie wezwała Kirsten Dunst, z którą pracowała już w „The Virgin Suicides”. Istnieje nawet pewien związek między obrazami, które aktorka wcieliła w te dwa filmy. W obu filmach mówimy o dziewczynach – ofiarach własnego piękna. Wszyscy podziwiają bohaterki, ale nikt ich nie rozumie.

Reżyser patrzy na wydarzenia z przeszłości przez pryzmat teraźniejszości. Luksusowe toalety z XVIII wieku są pomalowane na jasne kolory, nietypowe dla tamtej epoki. W jednej scenie sneakersy Converse pojawiają się mimochodem. A na balach bawią się muzyką new wave i post-punk: Siouxsie and the Banshees, Bow Wow Wow i The Cure.

Takie celowe anachronizmy są niezbędne, aby widz zbliżył się do przeżyć bohaterki, zagubionej nie tylko w sobie, ale i w czasie. Naprawdę dużo lepiej radzi sobie z nowoczesnymi Converse niż butami w stylu rokoko.

4. Gdzieś

• Stany Zjednoczone, 2010.
• Komediodramat.
• Czas trwania: 99 minut.
• IMDb: 6, 3.

Hollywoodzki aktor Johnny Marco prowadzi dziki i raczej bezsensowny styl życia. Ale kiedy jego była żona zostawia pod opieką 11-letnią córkę na kilka tygodni, komunikacja z dziewczyną pomaga lepiej zrozumieć samego siebie.

Krytycy ostrożnie brali taśmę, ale zwykli widzowie w ogóle nie rozumieli. Ten film jest naprawdę kontrowersyjny. Mimo całej swojej subtelności i penetracji „Somewhere” można polecić tylko najwierniejszym fanom Sofii Coppoli. Lub tych, którzy szczerze kochają medytacyjne, spokojne kino bez fabuły i widocznego konfliktu.

5. Elitarne społeczeństwo

• USA, Wielka Brytania, Japonia, Niemcy, Francja, 2013.
• Dramat kryminalny.
• Czas trwania: 87 minut.
• IMDb: 5, 6.

Mark zostaje przeniesiony do nowej szkoły, ale tam ma związek tylko z dziewczyną o imieniu Rebecca. Pewnego dnia z nudów zaprasza faceta, by przetrząsał cudze samochody w poszukiwaniu kosztowności, a potem wspinał się po sąsiednich domach. Chłopakom uchodzi to na sucho, ale ich apetyty rosną, a wtedy bohaterowie postanawiają eksplorować rezydencje gwiazd Hollywood.

W kolejnej pracy Coppola zajął się nowym gatunkiem satyry społecznej. Fabuła oparta jest na artykule Podejrzani nosili louboutiny / Vanity Fair z Vanity Fair, który opowiada historię nastolatków, którzy bezczelnie obrabowali wille celebrytów i zostali ostatecznie schwytani przez władze.

Jednocześnie Sophia pozostaje wierna sobie. Nie patrzy z góry, nikogo denuncjuje i nie moralizuje. Ale jednocześnie maluje portret pokolenia uderzającego dokładnością: leniwych, nieświadomych konsumentów, przekonanych, że domyślnie mają prawo do luksusowego życia, za które nie przykładali palca.

6. Śmiertelna pokusa

• Stany Zjednoczone, 2017.
• Dramat, melodramat, thriller.
• Czas trwania: 93 minuty.
• IMDb: 6, 3.

Południe Ameryki, 1864. Wojna secesyjna trwa w najlepsze. Ranny w nogę kapral Armii Północy John McBurney trafia do pensjonatu dla młodych pań, gdzie pozostaje tylko gospodyni, młody nauczyciel i kilkoro uczniów. Początkowo panie sprzeciwiają się pojawieniu się w ich klasztorze obcego, ale stopniowo budzi się w nich jednoznaczne zainteresowanie gościem.

Szósty film pełnometrażowy przyniósł Sofii główną nagrodę dla najlepszego reżysera na Festiwalu Filmowym w Cannes. Reżyser wziął za podstawę powieść „Oszukani” Thomasa Cullinana. Don Siegel jako pierwszy sfilmował tę książkę w 1971 roku, a niepowtarzalny Clint Eastwood zagrał wtedy główną rolę.

W nowej adaptacji akcent został całkowicie przeniesiony z głównego bohatera (Eastwood został tu zastąpiony nie mniej charyzmatycznym Colinem Farrellem) na otaczające go kobiety. Główne role przypadły Kirsten Dunst, Elle Fanning i Nicole Kidman. W Fatal Temptation obraz jest bardziej zwodniczy niż kiedykolwiek. A zamiast kostiumowego melodramatu na publiczność czeka prawdziwy gotycki horror - lepki, upiorny i niezwykle niewygodny, ale wciąż urzekająco piękny.

7. Ostatnia słomka

• Stany Zjednoczone, 2020.
• Dramat, komedia, detektyw.
• Czas trwania: 96 minut.
• IMDb: 6, 5.

Odnosząca sukcesy pisarka Laura podejrzewa męża o zdradę stanu. Z pomocą córce przychodzi starszy kobieciarz Feliks, który kiedyś sam szedł na lewo od swojej żony. Jest pewien, że natura mężczyzny nie pozwala mu być wiernym w małżeństwie. Ojciec zaprasza dziewczynę, by poszła za mężem, aby złapać go na miejscu zbrodni.

„Ostatnia słoma” (w oryginale On the Rocks, co można przetłumaczyć jako „z lodem” i jako „kłopoty rodzinne”) Sofia kręciła specjalnie dla usługi Apple TV+. Na pierwszy rzut oka ten film nie dorównuje innym pracom Coppoli, ale nie należy go lekceważyć. To niezwykle szczera i sprytna opowieść o dwóch różnych pokoleniach, umiejętnie zagrana przez Rashidę Jones i Billa Murraya, w której łatwo rozpoznać samą Sophię i jej ojca.

Oglądaj na Apple TV + →