Dlaczego wszyscy myślący ludzie powinni kochać filmy Nicholasa Windinga Refn

2024 Autor: Malcolm Clapton | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-17 04:07

Na potrzeby wydania Too Old to Die Young Lifehacker opowiada o niepowtarzalnym stylu twórcy Drive i Neon Demon.

Nicholas Winding Refn to niezwykły i charakterystyczny reżyser. Jego twórczość może balansować na granicy kina artystycznego i thrillera kryminalnego, ale zawsze wygląda ekscytująco. Chociaż akcja w nich czasami rozwija się bardzo powoli.

W swoim pierwszym serialu, Za stary, by umrzeć młodo, Refn po raz kolejny powróci do swoich ulubionych tematów zbrodni i zemsty, łącząc detektywa noir z estetyką samurajów.

Zachowania Refna nie należy mylić z żadnym innym autorem. Reżyser dorastał w rodzinie filmowców i od dzieciństwa oglądał klasykę kina. Tworząc swoje filmy, często kopiował to, co lubił w młodości. Mimo to wypracował swój własny, niepowtarzalny styl, który łatwo rozpoznać nawet z małego filmu czy zestawu klatek.

Niemal każdy film reżysera to oryginalna kreacja, którą muszą obejrzeć wszyscy kinomani i intelektualiści. Przecież nikt inny nie może znaleźć takiego podejścia do filmowania, głębi opowieści i nieprzerwanych obrazów.

Refn strzela do aktorów w nieoczekiwany sposób

Will Smith, Robert Downey Jr., Jennifer Aniston – jeśli wymienisz te nazwiska, widzowie wymyślą bardzo konkretne i podobne obrazy na ekranie z różnych filmów. Jednak Refn pokazuje aktorów jak nikt inny.

Teraz wszyscy znają Madsa Mikkelsena jako jednego z najbardziej teksturowanych europejskich aktorów. „Casino Royale”, „Doctor Strange”, „Hannibal” - od razu przychodzą na myśl stylowe i niezwykłe obrazy.

Ale jeśli uwzględnisz film „Dealer” – debiut reżyserski Refna i Mikkelsena w dużym filmie – możesz zobaczyć śmiesznego łobuza Tony'ego, który pomaga bohaterowi sprzedawać narkotyki. Jest emocjonalnym przestępcą z ogoloną głową w marynarce i tatuażem z tyłu głowy.

W Bleeding aktor odradza się już jako skromny i zamknięty w sobie sprzedawca taśm wideo. Bohater Mikkelsena ogląda tu dziesiątki filmów i wie o nich wszystko, ale nie może rozmawiać z dziewczyną, którą lubi.

I cały ten sam Mikkelsen pojawia się w filmie „Valhalla: Saga Wikingów” w roli cichego, jednookiego wojownika, bezwzględnie rozprawiającego się z wrogami.

Trudno sobie wyobrazić, że jednego i tego samego aktora można zobaczyć tak bardzo różniących się od siebie obrazami. Częściowo jest to oczywiście zasługą umiejętności Mikkelsena. Ale wciąż to reżyser tworzy tak żywe typy.

Uroczy Tom Hardy w filmie Refna „Bronson”, opartym na biografii prawdziwego człowieka, zamienił się w agresywnego więźnia. Do roli Charlesa Bronsona aktor zyskał prawie 20 kilogramów. Ale co najważniejsze, reżyser nie zamienił filmu w standardową biografię.

Główny bohater zdaje się opowiadać o swoim życiu ze sceny teatralnej. A Hardy ma tu miejsce zarówno na oddanie prawdziwego charakteru bohatera, jak i na podkreśloną przez makijaż cyrkową groteską.

Ryan Gosling pojawił się już w filmach w różnych rolach, zanim nakręcono Drive, ale nadal był znany jako aktor w dramatach miłosnych i komediach romantycznych. Ale Refn pokazał go w postaci prawdziwego bohatera w „Drive” i wojownika w „Tylko Bóg wybaczy”.

I nie trzeba dodawać, jak jasno „Neon Demon” ujawnił aktorkę Elle Fanning. Piękno młodej dziewczyny stało się głównym tematem filmu, gdzie wygląd modelki bohaterki stał się złowieszczym atrybutem opowieści.

Filmy Refny są niesamowicie piękne

Twórczość reżysera dzieli się zwykle na trzy okresy: duński, brytyjski i amerykański. Naprawdę różnią się stylem i oprawą wizualną, ale każda z nich jest na swój sposób estetyczna.

Efekt obecności i wizualizacji emocji

Wczesne obrazy Refna wyglądają tak realistycznie, jak to tylko możliwe – zostały nakręcone ręczną kamerą, która wszędzie podąża za postaciami. Dzięki temu widz może sam uczestniczyć w wydarzeniach.

Ale nawet w pracach niskobudżetowych reżyser znalazł miejsce dla wdzięcznych technik artystycznych. Początkowo użyto koloru – nawet w filmie „Krwawienie”, w którym zwykły człowiek z rodziny staje się okrutnym zabójcą z depresji, autor sugerował stan wewnętrzny bohatera, ukazując widok z jego wypełnionych czerwienią oczu. Mistrz użyje tego krwawego filtra w większości swoich prac. Ale lepiej o tym porozmawiać osobno.

Nicholas Winding Refn skupia się na emocjach bohaterów, wymyślając w każdym filmie bardziej wyszukane techniki. Przemoc i morderstwo na obrazach często przedstawiane są nie wprost, ale poprzez reakcje świadków - ważniejsze jest nie samą śmierć, ale to, jak postrzegali ją inni.

W filmie „Strach X”, w którym pracownik centrum handlowego prowadzi śledztwo w sprawie morderstwa swojej żony, jej śmierć ukazana jest przez obiektyw kamer monitoringu – obraz jest bardzo zły, prawie nic na nim nie widać. Ale wideo jest odtwarzane w kółko, aby widz mógł poczuć doświadczenie bohatera.

Tym samym okrucieństwo staje się dla Refna nie metodą prowokacji, do której skłania się inny słynny dachtanin Lars von Trier, ale artystycznym zabiegiem ujawniania charakterów bohaterów.

Reżyser miesza rzeczywistość z fantazjami i wizjami, by w późniejszych filmach całkowicie przejść do artystycznych analogii. W The Neon Demon urocza dziewczyna idzie do pracy jako modelka i musi stawić czoła okrutnemu światu show-biznesu. A kiedy zbliża się do swojej wizażystki, do jej domu wpada kuguar – drapieżnik uosabiający charakter nowego znajomego. A sztuczna krew z początku filmu zamienia się na końcu w prawdziwe morderstwo.

Refn nie próbuje przekazać ukrytych doświadczeń za pomocą głosu lub innych technik frontalnych. Celowo spowalnia tempo opowieści, bardzo powoli poruszając kamerą, a czasem sprawiając, że ludzie praktycznie zastygają w miejscu. To zmienia jego filmy w niemal medytacyjne historie, w których uczucia są często ważniejsze niż działanie.

Symetria i odbicia

Ulubioną sztuczką Refna do tworzenia zapierającego dech w piersiach obrazu są symetryczne ujęcia. Oznacza to, że lewa i prawa połówka (lub górna i dolna) odbijają się nawzajem.

„Neonowy demon”

„Bronson”

„Tylko Bóg wybaczy”

"Prowadzić samochód"

Valhalla: Saga Wikingów

Tworzy to atmosferę ograniczonej przestrzeni i zamkniętej historii. Ponadto postacie często patrzą w lustro i czasami odbicie może wyglądać inaczej niż w oryginale. W ten sposób ujawnia się wewnętrzny świat bohaterów.

W Bronson postać Hardy'ego staje się jego własnym odbiciem, używając innego makijażu po różnych stronach twarzy, jak mim.

Mniej oczywiste, ale jeszcze bardziej chwytliwe jest podzielenie wydarzeń na ekranie na połówki lub ćwiartki. Jest to niezauważalne dla zwykłego widza, ale to tylko wzmacnia efekt.

Faktem jest, że w kinie najczęściej stosuje się tzw. zasadę trójpodziału. Oznacza to, że każda klatka jest podzielona konwencjonalnymi liniami na trzy części w pionie i poziomie, a wszystkie ważne szczegóły znajdują się na przecięciu tych linii.

Refn komplikuje tę koncepcję. W jego filmach jedna akcja może rozgrywać się w lewej połowie kadru, a druga w prawej. Lub ekran jest podzielony na górę i dół. A czasami położenie aktorów w kadrze odzwierciedla ich miejsce w historii.

Istnieje wiele filmów poświęconych temu podejściu. Ale o wiele ważniejsze jest to, że obrazy uchwycą nawet tych, którzy nie dostrzegają takich subtelności. Chodzi o to, że ta separacja sprawia, że nieustannie monitorujesz różne części ekranu i skupiasz swoją uwagę.

czerwony i niebieski

Kolorystyka Refn jest integralną techniką artystyczną. Nie wystarczy mu, aby kadr był zbyt pomarańczowy lub niebieski, jak robi to większość filmowców głównego nurtu. Reżyser poprzez kolor oddaje uczucia bohaterów. A najczęściej używa się koloru czerwonego i niebieskiego.

Wspomniany już krwawy filtr często odzwierciedla okrucieństwo lub jakiekolwiek negatywne nastawienie. W Valhalla: The Viking Saga jest to wyraźnie związane z tematem chrześcijaństwa i ukrzyżowania Jezusa. A w filmie „Tylko Bóg przebaczy” Refn tak jednoznacznie nawiązuje do uczucia bohatera do matki.

Niebieski często wygląda jak symbol spokoju, czasem nawet mówią, że jest to „kolor Boga”. „Drive” początkowo podkreśla dystans bohaterów, rozdzielając ich kolory. Ale kiedy znajdą wspólny język, cały obraz staje się jednolity i spokojny.

W „Neonowym demonie”, który można uznać za apoteozę kolorystyki Refny, w pierwszych ujęciach główna bohaterka w niebieskiej sukience ociera z siebie sztuczną krew. Jednocześnie jej oryginalny, zwyczajny świat światła stopniowo zamienia się w ciemną klubową rzeczywistość, w neonowym kolorze, który symbolizuje odejście od naturalnego piękna do świata rozpusty.

Obraz i dźwięk

Nicholas Winding Refn to jeden z tych reżyserów, których filmy słucha się nie mniej niż ogląda. I to jest również ważny składnik pełnej historii. Jednocześnie reżyser nie przeładowuje obrazu dźwiękiem. Robi dokładnie odwrotnie. W jego obrazach cisza jest często ważniejsza niż muzyka czy hałas.

Usuwając niepotrzebny dźwięk na czas, Refn podkreśla napięcie sytuacji. W absolutnej ciszy nawet dźwięk butów brzmi złowieszczo. Albo wręcz przeciwnie, w filmie „Drive” pościgu nie towarzyszy głośna muzyka, tradycyjna dla Hollywood. Jest tylko ogłuszający ryk silników, pisk hamulców i maltretowanie bohaterów. Nie ma nic, co mogłoby odwrócić uwagę od samego wyścigu.

Podczas rozmów bohaterów można dosłownie usłyszeć, gdzie się znajdują, poczuć głośność pomieszczenia, hałas wielkiego miasta czy wiatr w górach.

Jeśli dialogi nie niosą ładunku semantycznego, Refn może je zagłuszyć i pozostawić tylko cicho poruszające się usta. A w „Valhalli” na cały obraz wypowiada się nieco ponad sto fraz – to nie jest film o rozmowach.

Ale jeśli pojawi się ścieżka dźwiękowa, to jest idealnie dopasowana. Pierwszym filmom kryminalnym Refny towarzyszy ostra rockowa muzyka – w początkowych napisach do Bleeding każda postać ma nawet własną melodię. Ale w późniejszych filmach mistrz skłania się już ku nierytmicznemu ambientowi i muzyce elektronicznej.

Prawidłowa ścieżka dźwiękowa pozwala od razu zapoznać się z bohaterem „Drive” - twórczość DJ Kavinsky'ego ujawnia tutaj atmosferę nie gorszą niż seria wizualna.

Ryk klubowej muzyki Neon Demona ustępuje miejsca niespiesznej ścieżce dźwiękowej Cliffa Martineza, stałego kompozytora reżysera, a kończy piosenką Sii. A akompaniament muzyczny nie staje się tylko bladym tłem obrazu, jak to bywa w przebojach kinowych. Kompozycje opowiadają własną historię, nie mniej ważną niż to, co dzieje się na ekranie.

Filmy Refny są emocjonalne i zrozumiałe

Nicholas Winding Refn zaczynał kiedyś od gangsterów, a potem przeniósł się do domu artystycznego. Ale jeśli się nad tym zastanowisz, wszystkie historie wyglądają zwyczajnie i znajomo. Reżyser prawie nigdy nie podejmuje globalnych wątków (z wyjątkiem Walhalli), a wszystkie jego filmy opowiadają o najzwyklejszych ludziach.

Okrucieństwo i piękno

Większość obrazów Refna opowiada o ludzkim okrucieństwie. Może objawiać się na różne sposoby, a reżyser pokazuje to naturalistycznie w The Dealer, przesadnie w God Only Forgive, czy alegorycznie w Neon Demon. Ale mistrz raz za razem próbuje zrozumieć przyczyny gniewu i agresji.

W dziwny sposób okazuje się, że okrucieństwo jest często wynikiem banalnej nudy. Widać to w finale The Dealer, kiedy handlarzowi narkotyków po prostu wybacza się jego dług – dostawca tak naprawdę nie potrzebuje pieniędzy.

Albo bohater „Bleeding One” zaczyna atakować innych prawie bez powodu. A historia Charlesa Bronsona pokazuje wprost: bił ludzi tylko dlatego, że mu się to podobało.

W Drive bohater wpada w tarapaty i mierzy się z zabójcami tylko dlatego, że postanowił pomóc nowemu znajomemu. I dlatego jest dla niego czysto po ludzku litość – okoliczności zmuszają go do popełniania zbrodni.

A „Neonowy Demon” niesie kolejny bardzo nieoczekiwany podtekst dla takich historii. Okazuje się, że piękno nikomu nic nie zawdzięcza. Nie ratuje świata, nie czyni go lepszym. Ona po prostu jest, a wielu ma na jej punkcie taką obsesję, że są gotowi robić straszne rzeczy.

Ojcowie i Synowie

Temat relacji międzypokoleniowych często wkrada się do obrazów Refna. W drugiej części The Dealer postać Mikkelsena nagle zostaje ojcem. Problem polega jednak na tym, że on sam nie czuje się wystarczająco stary.

Wskazówkę na to widać nawet na zdjęciach, na których młody mężczyzna trzyma dziecko w ramionach – oboje nie mają włosów. I dopiero po zerwaniu więzi z ojcem, Tony postanawia zająć się dzieckiem.

„Tylko Bóg wybaczy” poświęcone jest zemście bohatera za śmierć brata. Ale nie dlatego, że tego chce - zmusza go do tego twarda i apodyktyczna matka. Co więcej, bohater wygląda jak człowiek już spełniony, ale nie potrafi przezwyciężyć kompleksów dzieciństwa i wiecznego porównywania się z bratem.

Biografia i mitologia

Pod wieloma względami witalność i szczerość filmów Refny wynika z faktu, że w filmach można dostrzec autobiografię. Plotka głosi, że podczas kręcenia Bleeding Mikkelsen, który grał introwertycznego miłośnika kina, powiedział reżyserowi: „Po prostu zagram ciebie”.

Pomysł na drugiego „Dealera” poświęconego ojcostwu zrodził się, gdy Refn urodziła swoje pierwsze dziecko. I nawet w filmie „Bronson”, który opowiada o prawdziwej osobie, reżyser dodaje trochę autobiografii. W jednej ze scen wściekłe dziecko rzuca ławką w nauczyciela - sam Refn rzucił kiedyś w nauczyciela krzesłem. Następnie został wydalony z Amerykańskiej Akademii Sztuk Dramatycznych.

Otóż w fabule Neonowego demona wielu widzi wyznanie reżysera o jego związku ze sztuką. Kiedyś robił proste filmy, ale potem postanowił stworzyć bardziej mainstreamowe kino, czego efektem był katastrofalny „Fear X”.

A jednocześnie Nicholas Winding Refn czasami zwraca się ku wątkom mitologicznym. Walhalla jest alegorycznie oddana bitwie dwóch religii, a jednooki Mikkelsen wyraźnie gra boga Odyna.

Sam reżyser podkreślał, że bohater „Drive” to postać niemal bajkowa. Pojawia się we właściwym czasie we właściwym miejscu, a fabuła obrazu zbudowana jest na zasadach dzieł braci Grimm. Cóż, zakończenie „Neonowego demona” szczerze nawiązuje do legend o Elżbiecie Batory, która kąpała się we krwi dziewic, by zachować młodość.

Filmy Refna są często skomplikowane i zagmatwane. W rzeczywistości wszystkie opowiadane w nich historie są zrozumiałe dla każdego. Musisz tylko uważnie obserwować i słuchać, nie przegapiając szczegółów.

Dramatyzm i doskonałe aktorstwo we wczesnej twórczości, piękno oprawy wizualnej w ostatnich filmach – wszystko to uzupełnia ważne i życiowe tematy, które każdy myślący powinien zrozumieć. Ale najpierw wystarczy zanurzyć się w kreatywny świat reżysera.