Dlaczego filmy Federico Felliniego są tak chwytliwe

2024 Autor: Malcolm Clapton | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-17 04:07

Będziesz płakać nad „Nocami Cabirii”, docenisz dojrzały cynizm „La Dolce Vita” i zanurzysz się w ekstrawagancji „Rzymu”.

Wielki włoski reżyser Federico Fellini, zdobywca pięciu Oscarów (ostatni za wkład w kino), radykalnie zmienił myślenie zarówno publiczności, jak i wielu innych reżyserów. Na pierwszy rzut oka jego obrazy są szalenie zagmatwane, złożone, a przez to niezrozumiałe. Ale jeśli na to spojrzeć, język filmowy Felliniego jest bardzo demokratyczny, a on sam jest prawdziwie ludowym twórcą.

Jaka była twórcza ścieżka Federico Fellini

Początek kariery i neorealizm

Federico Fellini rozpoczął swoją karierę operatorską w 1945 roku, kiedy napisał scenariusz do filmu Roberto Rosselliniego „Rzym – miasto otwarte”. Ten obraz położył podwaliny pod najbardziej demokratyczny kierunek w światowym kinie - włoski neorealizm i jest obecnie uważany za niezaprzeczalny klasyk. Głównymi cechami neorealizmu były konotacje społeczne i skupienie się na zwykłych ludziach. Do grania w takich taśmach, wraz z gwiazdami, zwykle nazywano aktorów nieprofesjonalnych.

To prawda, Fellini, w przeciwieństwie do głównych przedstawicieli neorealizmu - Vittorio de Sica i Roberto Rosselliniego, nadal szedł własną drogą. Bliski był mu także temat „małego człowieka” i spraw społecznych. Ale już w pierwszych filmach Federico można prześledzić twórczą oryginalność i oryginalną filozofię. A motywy ekstrawagancji i karnawału, które później stały się jego znakiem rozpoznawczym, widoczne są już we wczesnych pracach mistrza - Variety Show Lights (1950), Biały szejk (1952) i Mama's Sons (1953). Chociaż w tych taśmach Fellini tylko szukał swojego specyficznego stylu.

Już kolejne filmy - "Droga" (1954) i "Noce Cabirii" (1957) - stały się bardziej sentymentalne i mniej realistyczne. Przypominały dziwny, niepokojący sen. Po nich reżyser ostatecznie porzucił neorealizm na rzecz dzieł niezwykłych, w których rzeczywistość dziwnie łączyła się z różnego rodzaju cudami.

Odejście do surrealizmu i rozkwitu kreatywności

Nowy rozdział w karierze reżysera bywa nazywany różowym lub magicznym realizmem. Filmy z tego okresu są znacznie bardziej przepełnione fantazją niż wcześniej, ale jednocześnie wyróżniają się poezją i lekkością. A jednak tak samo jak motywy ekstrawagancji i karnawału Felliniego interesuje temat odnalezienia siebie.

Najważniejsze filmy tego etapu – „Słodkie życie” (1960) i „8 i pół” (1963) – budowane są jako wybuchowa mieszanka prawdziwych wspomnień, nostalgii i wyobraźni. To właśnie te dwa filmy są uważane za szczyt własnej twórczości reżysera i standardu kinematografii w ogóle. Silnie odczuwany jest w nich także wpływ teorii psychoanalizy. W końcu Fellini był bardzo uważny na swoje sny i wiele z nich spisał, a w koncepcji psychoanalitycznej po prostu dużą wagę przywiązuje się do interpretacji snów.

Barokowe cechy i coraz bardziej groteskowy styl

Na tym etapie ścieżka twórcza mistrza coraz bardziej odbiega od oczekiwań publiczności. Spektakularność w końcu zaczęła dominować w fabule, a same filmy stały się dobrze, całkowicie psychodeliczne.

W taśmach „Satyricon” (1969), „Rzym” (1972), „Amarcord” (1973) Federico Fellini odwołuje się do starożytnej historii, a nawet własnych wspomnień z dzieciństwa. Ale jednocześnie filmy są tak przeładowane szczegółami, że Andriej Tarkowski nazwał dzieła tego okresu Tarkowski o Fellinim: „Im bardziej subiektywny obraz świata, tym głębiej artysta wnika w obiektywną rzeczywistość” / Sztuka kina barok Felliniego.

Apoteozą był film „Casanova” (1976). Został chłodno przyjęty przez krytyków i nie doceniony nawet przez najwierniejszych fanów reżysera. A sam Fellini nie był dumny z tej pracy. Z wielką niechęcią podjął się produkcji, a po podpisaniu umowy zdjęciowej przeczytał obszerne wspomnienia Giacomo Casanovy.

Upadek ścieżki twórczej i autoironia

Począwszy od lat 80. mistrz w końcu przeszedł do autoparodii i przemyślenia swoich wczesnych odkryć. Na przykład „Miasto kobiet” (1980) to tak naprawdę scena z haremu z „8 i pół”, która rozrosła się do rozmiarów całego filmu.

W przypowieści „A statek płynie…” (1983) Fellini ściśle przestrzega swoich ulubionych zasad artystycznych (o nich poniżej). Ale późniejsze filmy reżysera – „Ginger i Fred” (1986), „Wywiad” (1987) i „Głos księżyca” (1990) – łączy motyw twórczego zmęczenia i nostalgii za przeszłością. Na pierwszą znajomość z Fellinim lepiej ich nie wybierać. Przecież tak właśnie jest, kiedy filmy reżysera lepiej oglądać ściśle po kolei.

Jak wyróżnia się styl reżyserski Federico Felliniego

Trwałe obrazy i archetypy

We wszystkich pracach Felliniego te same obrazy biegną jak czerwona nić. Rzadko kiedy jego film obywa się bez atmosfery cyrku. Tego ostatniego nie można sobie wyobrazić bez klaunów, którzy jednocześnie przeszkadzają i zachwycają reżysera.

Dyrektor Federico Felliniego. Z książki „Ja, Fellini” Charlotte Chandler

Kiedy miałam siedem lat, rodzice po raz pierwszy zabrali mnie do cyrku. Byłem zszokowany klaunami - nie wiedziałem kim są, ale miałem dziwne wrażenie, że mnie tu oczekiwano. Od tego czasu nawiązałem nierozerwalny związek z cyrkiem i marzyłem o tym przez wiele lat.

Filmowiec tak często powracał do tego tematu, że podobny styl jest teraz nierozerwalnie związany z jego nazwiskiem. Krytycy nazywają tę estetykę felliniesque, czyli fellinic.

Inną ważną częścią estetyki Felliniego jest wizerunek plaży. Reżyser urodził się w nadmorskim Rimini i dużo czasu spędzał nad morzem. Dlatego w jego filmach losowe wydarzenia dla bohaterów (żywe przykłady - „8 i pół”, „Sweet Life” i „The Road”) często rozgrywają się na brzegu.

Fellini zaczynał jako karykaturzysta i był biegły w przedstawianiu obrazów na granicy groteski. Chciał, aby bohaterowie, gdy tylko pojawią się na ekranie, od razu zostali zapamiętani przez publiczność. Dlatego martwił się o niezwykłych ludzi - marginalnych, prostytutki, oszustów i łobuzów.

W jego pracach często pojawia się jeden i ten sam wizerunek - bardzo duża, dostojna dama. Uosabia zarówno kobiecość, macierzyńską troskę, jak i zwierzęcą pasję. Jak wszystkie jego ulubione postaci, reżyser wymyślił taką bohaterkę jako dziecko.

Niekonwencjonalny dramat

Często filmy Felliniego boją się braku wyraźnej struktury narracyjnej. Wydaje się, że w jego obrazach nie ma w ogóle nic: nie ma w nich jasnego scenariusza, a fabuła, nawet jeśli taka istnieje, jest nieliniowa.

Ale to właśnie ta cecha sprawia, że wstążki mistrza są tak charakterystyczne. Dla tych, którzy cenią przede wszystkim śmiało pokręcone intrygi i szykowne dialogi, styl Felliniego raczej nie będzie bliski. Ale Włoch doskonale wiedział, jak przekazać różne odcienie uczuć swoich bohaterów.

Stała muza

Żaden film Felliniego nie mógł się obejść bez jego ukochanej żony Juliet Mazina. Nawet jeśli aktorka nie grała sama, prawie zawsze była obecna na planie. W filmie „Droga” Mazina stworzyła jeden z najlepszych obrazów w światowym kinie, a imię jej bohaterki, Jelsomina, stało się powszechnie znane.

Artysta był w stanie przekazać na ekranie dosłownie całą gamę ludzkich emocji. Mogła być równie spontaniczna, romantyczna, dramatyczna, ale częściej - zabawna i boleśnie wzruszająca.

Kinowe alter ego

Planując kręcić La Dolce Vita, Fellini początkowo nie mógł znaleźć wiodącego aktora. Potrzebował najbardziej wszechstronnego typu, aby publiczność mogła łatwo wyobrazić sobie siebie w miejscu bohatera.

Stary znajomy Juliet Mazina, Marcello Mastroianni, był idealny. Następnie jego współpraca z Fellinim przerodziła się w ścisły związek twórczy, a następnie w prawdziwą przyjaźń, która trwała przez lata.

Reżyser niestrudzenie powtarzał, że on sam i obrazy Mastroianniego należy traktować jako całość. I w ten sposób pokazał, że można kręcić o sobie bardzo nietypowo i ciekawie, a niektórzy inni filmowcy później przyjęli tę technikę.

Jakie filmy Federico Felliniego trzeba obejrzeć?

1. Synowie mamy

• Włochy, Francja, 1953.
• Dramat, komedia.
• Czas trwania: 109 minut.
• IMDb: 7, 9.

Pięciu młodych ludzi nudzi się w prowincjonalnym nadmorskim miasteczku. Marzą o opuszczeniu ojczyzny, gdzie wszystko jest boleśnie znajome i gdzie mieszkają ich bliscy.

Podstawą „Mama's Sons” były wspomnienia samego Felliniego, choć nie lubił, gdy jego filmy nazywano autobiograficznymi. Mimo to taśma opowiada dokładnie o młodości reżysera. Jedną z głównych postaci zagrał nawet brat Federico Ricardo Felliniego, a postać nosi to samo imię.

Dzięki bardzo osobistemu wydźwiękowi „Mama's Sons”, wraz z jej wcześniejszymi, wczesnymi dziełami „Variety Show Lights” (1950) i „White Sheikh” (1952), można go uznać za rodzaj trylogii. Ale to właśnie w „Synach” Fellini odnalazł swoją twórczą oryginalność i przeniósł swoje umiejętności filmowe na nowy poziom.

2. Droga

• Włochy, 1954.
• Dramat.
• Czas trwania: 108 minut.
• IMDb: 8, 0.

Cyrkowy siłacz Zampano wykupuje wiejskiego idiotę Jelsominę, aby pracował jako jego asystent. Razem przemierzają Włochy, aż spotykają wędrowny cyrk.

„Droga” uznawana jest za jeden z kluczowych filmów nie tylko we włoskim, ale i światowym kinie. Na tej taśmie Fellini odszedł już od kanonów neorealizmu i dodał do akcji fantazję i poezję.

Obraz przyniósł Felliniemu jego pierwszego „Oscara”, a także uwielbił Juliet Mazina, która od razu otrzymała przydomek „Chaplin w spódnicy”.

3. Noce Kabirii

• Włochy, Francja, 1957.
• Dramat, melodramat.
• Czas trwania: 118 minut.
• IMDb: 8, 1.

Prostytutka o imieniu Cabiria marzy o znalezieniu prawdziwej miłości i opuszczeniu biednego sąsiedztwa. Ale dziewczyna jest oszukiwana i wykorzystywana do osobistych zainteresowań. Mimo to pozostaje miła dla ludzi.

Federico Fellini napisał scenariusz do filmu specjalnie dla swojej żony. Nie trzeba dodawać, że Mazina znakomicie poradziła sobie ze swoją rolą, a jej uśmiech przez łzy w finale stał się symbolem włoskiego kina.

4. Słodkie życie

• Francja, Włochy, 1960.
• Satyra, tragikomedia.
• Czas trwania: 179 minut.
• IMDb: 8, 0.

Cyniczny dziennikarz Marcello prowadzi hedonistyczny styl życia i zmienia kobiety jak rękawiczki. Nawet pojawienie się amerykańskiej gwiazdy filmowej Sylwii nie robi na bohaterze specjalnego wrażenia. Jego uczucia rani tylko straszliwe samobójstwo przyjaciela, ale nie na długo.

Obraz uczynił z Marcello Mastroianniego gwiazdę, a także wpłynął na kulturę popularną tak bardzo, że nawet sama jego nazwa stała się powszechnie znana. Ale genialny pomysł nie został od razu doceniony. „Sweet Life” zostało zakazane, reżyser został oskarżony o bluźnierstwo i rzekome filmowanie pornografii. Doszło do tego, że Fellini dosłownie splunął w twarz.

5,8 i pół

• Włochy, 1963.
• Tragikomedia.
• Czas trwania: 138 minut.
• IMDb: 8, 0.

Reżyser Guido Anselmi szykuje się do kręcenia nowego filmu, a jednocześnie przechodzi twórczy kryzys. Jeździ do kurortu, gdzie spotyka najróżniejszych ludzi. Ale im dalej, tym bardziej bohater wątpi, czy w ogóle stworzy obraz.

Fellini skomponował „8 i pół” na podstawie osobistych doświadczeń. Gdy trzeba było napisać scenariusz, sam zmagał się z brakiem pomysłów, a nawet chciał zrezygnować z projektu. Ale potem przyszło mu do głowy, żeby po prostu zrobić film o sobie.

Nawet imię „8 i pół” Federico wybrał nie przez przypadek. Obejmuje sześć filmów pełnometrażowych i dwa filmy krótkometrażowe, które Fellini zdążył do tego czasu nakręcić. Otóż reżyser uznał swój debiut „Variety Show Lights” (1950), zrealizowany we współpracy z Alberto Lattuadą, za półtora roku.

6. Julia i perfumy

• Włochy, Francja, 1965.
• Fantazja, dramat, komedia.
• Czas trwania: 148 minut.
• IMDb: 7, 6.

Juliet zaczyna podejrzewać męża o zdradę stanu. Ale od momentu, gdy w końcu traci zaufanie do ukochanego, w jej życie wdziera się tłum duchów z innego świata.

Swoim pierwszym kolorowym filmem Fellini chciał przywrócić kobietom prawo do wolnego wyboru. Ale jak na ironię, w ogóle nie słuchał swojej żony Juliet Mazina, która nieustannie krytykowała scenariusz podczas kręcenia i na próżno. Zamiast skupiać się na doświadczeniach kobiet, Federico przedstawił na ekranie swój własny pogląd na nie. Z tego powodu obraz został chłodno przywitany, po czym reżyser przyznał, że jego żona miała rację.

Czasami „Juliet” nazywa się żeńską wersją „8 i pół”. To częściowo prawda, ponieważ sam Fellini rozmawiał z Federico Fellinim. Nakręcić film, który przez całe życie kręcił ten sam film.

7. Satyrykon

• Włochy, Francja, 1969.
• Fantazja, dramat, historia.
• Czas trwania: 129 minut.
• IMDb: 6, 9.

Wydarzenia rozgrywają się w Cesarstwie Rzymskim w okresie jego upadku. W centrum narracji znajduje się historia młodego człowieka Encolpiusa. Bohater szuka swojej młodej kochanki, która uciekła ze wspólnym przyjacielem.

Teraz „Satyricon” jest uważany za jedno z najlepszych dzieł Felliniego, ale film niestety znacznie wyprzedził swoje czasy. Tak więc znawcy historii starożytnej ostro skrytykowali obraz, choć reżyser nie twierdził, że jest autentyczny. Jego celem była raczej parodia sytuacji społeczno-politycznej końca XX wieku.

Publiczność również zareagowała chłodno na „Satyricon”, uznając go za zbyt eksperymentalny. Na tym etapie Fellini powoli, ale pewnie zaczął tracić publiczność, która zupełnie przestała go rozumieć.

8. Rzym

• Włochy, Francja, 1972.
• Dramat, komedia.
• Czas trwania: 120 minut.
• IMDb: 7, 4.

Impresjonistyczna, napisana dużymi pociągnięciami historia samego Felliniego, który jako młody człowiek przeniósł się do Rzymu z małego miasteczka. Jak w wielu innych filmach mistrza, jest on pełen motywów autobiograficznych, natomiast nie ma wyraźnej fabuły, fabuła jest nieliniowa, a strumień świadomości miesza przeszłość z teraźniejszością, rzeczywistość z fikcją.

9. Amarcord

• Włochy, Francja, 1973.
• Dramat, komedia.
• Czas trwania: 123 minuty.
• IMDb: 7, 9.

Według fabuły lata 30. i faszystowska dyktatura Mussoliniego znajdują się na podwórku. Główne wydarzenia rozgrywają się wokół rodziny młodej Titty i różnych innych dziwnych postaci zamieszkujących małe nadmorskie miasteczko.

W Amarcord Fellini na nowo wyobraża sobie swoje nastoletnie lata spędzone w Rimini. Ale woli pokazać swoje wspomnienia z dzieciństwa przez pryzmat doświadczenia dorosłych. Film okazał się więc bardzo szczery, a niektóre odcinki tak bardzo zawstydziły cenzorów, że na przykład radzieccy widzowie zobaczyli przyciętą wersję.

10. Miasto kobiet

• Włochy, Francja, 1980.
• Dramat, komedia.
• Czas trwania: 148 minut.
• IMDb: 7, 0.

Szanowany mieszczanin Snaporas wysiada z pociągu za kobietą, którą lubi. Znajduje się w niesamowitej gminie, w której nie ma miejsca dla mężczyzn. Bohater próbuje stamtąd uciec, ale tylko zanurza się głębiej w otchłań chaosu i absurdu.

To jeden z późniejszych filmów Felliniego, surrealistyczny i pozbawiony fabuły, jak wszystkie jego dojrzałe prace. Obraz można nazwać przemyśleniem taśmy „8 i pół”, w której bohater Mastroianni miał niepodzielną władzę nad zakochanymi w nim damami. Ale w „City of Women” postać jest wręcz zmiażdżona przepływem kobiecej ekspresji.